Mara Anders: About art – Über Kunst

Bewegung auf der Gratkante

2012-02-18T05:46:00.000-08:00

Manchmal steht man ja in Ausstellungshallen und wundert sich, warum so viele Künstler/innen auf so riesige Leinwände malen. Geht`s nicht ´ne Nummer kleiner? - Es geht natürlich viele Nummern kleiner, aber diese Leinwandriesen fordern auf eine ganz andere Art heraus. Aus eigener Erfahrung kann ich nur sagen, es ist eine absolut sinnliche Erfahrung einer richtig großen Leinwand gegenüber zu stehen und diese zu bearbeiten.

Da nimmt die Frage "Was will das Bild von mir?" ganz andere körperliche und geistige Dimensionen an. Auch die Gefahr des Scheiterns ist sehr viel größer. Und zwar ganz abgesehen vom finanziellen Teil: Eine versaute Leinwand von drei bis zehn Quadratmetern tut in jeder Beziehung weh. Vielleicht ist es diese Bewegung auf der Gratkante, die den großen Reiz ausmacht.

Moving on the ridge

Sometimes you look at those huge paintings in a museum for example and wonder why many artists paint on those vast canvasses. Those giants challenge you an several levels. From my own experience I can say it is a very sensual experience to work on a really big canvas.

The question "What does the picture need?" takes quite different physical and mental dimensions. The danger to fail is also much bigger and not only in the sense of pecunary means. A spoiled canvas of three to ten square meter hurts in every respect. Perhaps it is this moving on the ridge that makes it so interesting.

Der Geist ist keine Zimmerlinde

2012-01-31T01:13:00.000-08:00

Genau genommen heißt das Zitat des schweizer Dichters Kurt Marti "Der heilige Geist ist keine Zimmerlinde". Aber der Satz funktioniert auch ohne das Wort heilig. Zunächst ein Satz so platt wie wahr. Bei genauerem Nachdenken ist er eigentlich eine geniale Reduktion für die Ambivalenz zwischen Geist und Materie. Ein Thema, das gerade in der Kunst zur immer neuen Auseinandersetzung herausfordert.

Kurt Marti gehört zu einem Kreis von Dichtern, die mit möglichst wenig Worten möglichst viel sagen wollen. So eine Haltung stellt hohe Ansprüche an die Macher. Und genau so hohe an die Zuhörer.

Hier finde ich mein Ziel in der bildenden Kunst prägnant ausgedrückt: Mit möglichst wenigen Mitteln möglichst komplexe Inhalte aufs Bild bringen. Ist doch immer schön, wenn jemand anderes die eigenen Gedanken so stimmig zusammen fasst.

The Spirit is no Houseplant

This sentence says originally "The holy Spirit is no houseplant", written by the swiss poet Kurt Marti. But it is as true without the word holy. To me it is the brilliant expression for the ambivalence of the spiritual and material aspects of art.

Die Schlachten zwischen Kunst und Leben

2011-12-30T03:06:00.000-08:00

Und noch mal Anselm Kiefer: "Es gibt eine besondere Grenze zwischen Kunst und Leben - eine Grenze, die sich oft trügerisch verschiebt. Allerdings gibt es ohne diese Grenze keine Kunst. Dabei nimmt die Kunst das Material des Lebens auf und die Spuren des Lebens durchscheinen das fertige Kunstwerk. Gleichzeitig ist der Abstand zum Leben das Wesentliche. Es ist der eigentliche Inhalt der Kunst. Das Leben hinterlässt seine Spuren ebenso wie die Schlachten zwischen Kunst und Leben. Je tiefer diese Narben sind, desto interessanter für das Werk."

Die Schlachten, die ich in Auseinandersetzung mit meinen Bildern durchstehe, haben sehr viel mit meinem Leben zu tun. Wie mutig bin ich? Wie klar? Bleibe ich konsequent oder erliege ich der Verführung zum Kompromiss, zum Gefälligen? Nichts gibt mir so eindeutige Rückmeldungen wie das Bild an dem ich mich gerade abarbeite - vorausgesetzt ich bin willens und in der Lage die Rückmeldungen zu erkennen.

The battles between art and life

Another saying of Anselm Kiefer: "There is a special border between art and life - a border that sometimes shifts in a deceptive way. But without this border there is no art. Art makes use of the material life offers and the traces of life are to be sensed in the work of art. That is the real content of art. Life leaves its traces as well as the battle between art and life. The deeper the scars the more interesting the work."

For me the questions are: How courageous am I? How clear? Do I follow strictly my intentions or do I surrender to the temptations of compromising? Nothing gives me such clear answers as the picture on which I am working at the moment.

Anselm Kiefer macht ein Loch

2011-12-23T11:28:00.000-08:00

Kleiner Nachtrag zum Ausstellungsbesuch in Baden-Baden: Ein Kommentar von Anselm Kiefer zu der Frage, warum er sich immer wieder mit dem Faschismus beschäftigt hat. Das zeigt sehr schön die Art wie er denkt und arbeitet. "Ich denke vertikal und eine der Ebenen war der Faschismus. Doch ich sehe alle diese Schichten. Ich erzähle in meinen Bildern Geschichten, um zu zeigen was hinter der Geschichte ist. Ich mache ein Loch und gehe hindurch." Dem ist nichts hinzuzufügen.

Anselm Kiefer makes a hole

A post scriptum to my visit in Baden-Baden. Anselm Kiefer commented the frequent question why he occupies himself so often with fascism. This answer shows the way he thinks and works: "I think in a vertical way and one of the levels was fascism. I see all these levels. In my pictures I tell stories to show what is behind history. I make a hole and go through it." No comment to this.

Kein Espresso in Baden-Baden

2011-12-15T23:56:00.000-08:00

Vor dem Ausstellungsbesuch noch schnell ein Tässchen Capuccino. So gestärkt kann ich mich dann in Ruhe auf Anselm Kiefer konzentrieren. Dachte ich. Aber in Baden-Baden ist es (fast) ein Ding der Unmöglichkeit einen guten Espresso oder Capuccino zu kriegen. In den Cafés und Restaurants (die überwiegend gutes Essen anbieten) erhält man nur eine Art Labberbrühe, die entfernt an Espresso erinnert. Also war es nix mit der kleinen Stärkung.

Die Ausstellung mit ausgewählten Arbeiten aus einer Privatsammlung war dagegen sehr beeindruckend. Geradezu meditativ der Raum mit den 14 (?) Bildern "Das geheime Leben der Pflanzen". Fast ein sakrales Erlebnis. Interessant fand ich, dass gerade die älteren Bildern trotz der Menge an krudem Material nicht erdrückend wirken. Im Gegenteil. Durch die reduzierten Farben entwickeln die Motive eine zurückhaltende Intensität, die mich immer wieder berührt. Das ist überhaupt das Bewundernswerte an Anselm Kiefer: Material und Geist sind immer im Gleichgewicht. Das neueste Bild der Schau dagegen "Der fruchtbare Halbmond" hat mich gar nicht überzeugt. Trotz der Beschränkung auf Farbe bleibt es sehr im Materialhaften stecken.

Übrigens: Einen guten Espresso habe ich am Nachmittag doch noch gefunden. Im Kaffeeum in der Fußgängerzone.

No Espresso in Baden-Baden

I like to drink a capuccino or an espresso before going to an exhibition. In Baden-Baden there was none to be found. At least none of quality even though the food in the wellknown restaurants and cafes is good.

The exhibition with works of Anselm Kiefer is impressing. Especially the room with 14 paintings "The secret life of plants" has quite a meditative effect. I found very interesting that Anselm Kiefer always holds the balance between material and mind even though his works are full of rough materials. On the contrary: His reduced colouring produces an intensity which I always find touching. In my opinion only the newest work of the show lacks this balance: "The fertile halfmoon". Here he only uses colour (no material) but the picture is dominated by the material.

By the way - in the afternoon I drank a very good espresso in the Kaffeeum (central shopping road of Baden-Baden.

Was zum Teufel wollt ihr denn in Boston?

2011-11-06T01:19:00.000-07:00

Diese Frage wurde meinem Mann und mir sehr häufig gestellt, als wir von unseren Reiseplänen erzählten. Anscheinend gelten nur New York und San Francisco als lohnenswert. In bestimmten Kreisen vielleicht noch Los Angeles. Aber Boston???

Nun, wir sind dennoch gereist und haben es nicht bereut. Besonders aufgefallen ist uns das doch große Interesse der Amerikaner an moderner Kunst. Im Institute of Contemporary Art wurden Studioarbeiten von Eva Hesse gezeigt. Parallel dazu eine kleine aber feine Schau mit Arbeiten aller Künstler, die in den letzten 25 Jahren dort ausgestellt haben. Angesichts der Situation weiblicher Künstler in Deutschland hat uns besonders beeindruckt, dass fast 40 Prozent der Arbeiten von Frauen stammten. Darunter auch Rosemarie Trockel, Marlene Dumas, Rineke Dijkstra, Mona Hatoum und viele Amerikanerinnen.

Die gleiche Situation in der modernen Abteilung des Museum of Fine Arts. Da hat die Frauenbewegung in Amerika im Bereich der Kunst wohl so einiges bewirkt. Könnte man sich hierzulande ruhig was abgucken.

WHAT THE HELL DO YOU WANT IN BOSTON?

Quite a few people put this question to us when we related our plans. The only places of interest in the USA seem to be either New York or San Francisco. For some people also Los Angeles. But Boston???

Well we travelled anyway and did not regret it. What we found astonishing was the great interest of american people in modern art. In the Institute of Contemporary Art were studio works of Eva Hesse to be seen. And also a small but very fine exhibition of all artists whose works were shown in the last 25 years. In face of the situation of female artists in Germany we were astonished to find about 40 percent of the works created by women. Among those Rosemarie Trockel, Marlene Dumas, Rineke Dijkstra, Mona Hatoum.

A similar situation we found in the Museum of Fine Arts. Women`s lib seems to have had some success in this respect. Surely an aspect to be imitated in this country.

Der Faden im Wartezustand

2011-11-06T01:02:00.000-07:00

Fällt mir das nur auf oder ist es tatsächlich so, dass der Faden in der modernen Kunst immer häufiger Verwendung findet? Dabei wird alles was mit Textilem zu tun hat doch eher als altmodisch, altbacken, überholt angesehen. Und die moderne Kunst ist angetreten um mit der Tradition aufzuräumen. Dennoch erobert sich der Faden (Draht, Schnur...) immer mehr Raum. Gerade ist eine kleine aber sehr feine Ausstellung im Kunstarchiv Darmstadt zu sehen: Am Faden entlang. Sehr unterschiedliche Arbeiten von enormer Bandbreite.

Diese Bandbreite ist dem Material immanent, denn an sich ist ein Faden ein Ding im Wartezustand. Erbraucht "Stützen", um in Erscheinung zu treten, Verankerungen, Verbindungen, Gegenstände, die er umwickeln kann. Ein sehr spannendes Material, das ich in diesen Wochen auch zum ersten Mal in großem Stil verwendet habe. In der Ausstellung "Bindungen" in der Galerie im Hofgut, Reinheim/Odenwald habe ich eine Art Parcours mit diversen Schnüren installiert. Besucher sind aufgefordert, sich ein wenig zu bücken oder zu strecken, um die Fotos von Sigrid Awizio zu sehen.

STRING IN ART

I noticed in the last time, that more and more artists use string, thread, wire to form their ideas. To me rather astonishing in modern art because these materials tend to be looked at as rather oldfashioned. Nevertheless these materials become quite usual in these days. Last example is a small but very interesting exhibition in Kunstarchiv, Darmstadt, Germany. To be seen is a large range of different artworks using thread.

This large range is not so astonishing as one might think. Because string is nothing in itself. It always needs something else to come to life, to create connections, to relate one thing to another, to surround things. A very interesting material which I too used for the first time in these weeks. I created an installation in the gallery of Hofgut, Reinheim, Germany. Visitors are requested to move a little in order to see the photographies of Sigrid Awizio.

Sex sells - nur andersrum

2011-10-16T08:52:00.000-07:00

Regionale Kunstmessen werden immer zahlreicher. Habe gerade eine besucht und festgestellt, dass erfreulich viele Leute anwesend waren. Und immerhin 70 ausstellende Künstler bei Preisen pro Hängemeter von 100 Euro!!! Wenn man davon ausgeht, dass man mindestens 2 Hängemeter braucht, um die eigenen Werke einigermaßen präsentieren zu können, wird klar, dass das kein billiges Vergnügen ist. Wenn wenigstens entsprechend verkauft würde. Aber nach den roten Punkten zu urteilen, haben nur wenige verkauft und diese wenigen sind fast ausschließlich Männer. Wie mir die Künstlerin Sibylle Rosenboom sagte, gab es auch Verkäufe direkt von der Wand weg. Aber sie hat ebenfalls festgestellt, dass die Männer mehr Verkäufe und höhere Preise erzielt haben.

Wobei wir wieder bei dem Thema wären, das ich schon in früheren Postings angeschnitten habe: "Frauen machen Kunst und reden nicht darüber" (27.7.10) oder zu Rebecca Horn "Eine Frau macht große Kunst und sich klein" (16.11.10) und nicht zu vergessen über Jonathan Meese "Ein Mann macht Kunst und sich groß" (17.11.10).

Was sagte der kluge Kunsthistoriker Jörn Merkert? "Künstlerinnen werden wir morgen als die Avantgarde von heute erkennen". Schade, dass es bis morgen noch so lange hin ist.

SEX SELLS - IN ART THE OTHER WAY ROUND

There are more and more regional art fairs. Just visited one and realized that there were many people visiting. Very good for the 70 artists displaying their work because they had to pay 100 Euro for every meter of wall. As you need at least 2 meter to hang pictures no cheap affair. No problem if you can sell accordingly. But only very few sold anything and these few were mostly men. The exhibiting artist Sybille Rosenboom confirmed that male artists sold more and for higher prices.

The old theme in the world of art. Even the most famous women reach lower prices then their male colleagues. What does art historian Jörn Merkert say? "Tomorrow we will realise that women artists are the avantgarde of today." A pity that "tomorrow" is still a long way to run.

Der Geschmack einer Kunstkritikerin

2011-09-18T02:22:00.000-07:00

Da schreibt eine Dame (immer noch Kunstzeitung 180 - ist diesmal sehr ergiebig) über den Modegeschmack der Frauen im Kunstbetrieb. Vor allem moniert sie, dass diese so "ernst" angezogen sind, d.h. wohl schlicht und unauffällig. Die Kunstkritikerin wünscht sich mehr Farbe auf Vernissagen und anderen Kunstveranstaltungen. Ich kann kaum glauben, was ich da lese. Hier wird eine absolut bürgerliche Vorstellung herbeigewünscht: Menschen im Kunstbetrieb sollen gefälligst anders sein als andere Leute - bunter, mutiger, auffallender, damit die anderen Unterhaltung haben.

Da halte ich es doch eher mit dem Schriftsteller Max Goldt, der sinngemäß folgendes schrieb: Nur wer Teil der Masse ist, hat das Gefühl sich durch Kleidung und Aufmachung abheben zu müssen. Alle, die schon in frühen Jahren die teilweise schmerzliche Erfahrung machten, dass sie nicht zur Masse gehören, wollen das nicht auch noch durch äußere Attribute kenntlich machen.

Für mich gilt, dass mir die Qualität meiner Bilder wichtiger ist als meine eigene Erscheinung, auch wenn ich weiß, dass das gegen die Gesetze im Kunstbetrieb ist. Aber wer macht denn die Gesetze? Und wer passt sich ihnen an und bietet bunte Unterhaltung? Ob das immer die besten Künstler sind, kann man mit Fug und Recht bezweifeln, auch wenn sie Erfolg haben. Aber was hat Erfolg mit Qualität zu tun? Leider nicht so viel, wie ich mir wünschen würde.

THE TASTE OF AN ART CRITIC
A rather well known german art critic wrote about the dress code of women in the world of art. To her mind they are dressed too seriously, too reduced, with too little fantasy. Well, one can hardly believe that this very bourgeois attitude is still around: Artists have to live differently, to dress differently, just in order to entertain the public.

I rather go along with the german writer Max Goldt who once wrote, that people who are different normally don`t feel inclined to emphasize the fact.

For me the quality of my works is more important than my outfit. Even though the rules in art business seem to demand a special form of self marketing. But who makes the rules? And who follows them?

Bilder auf Reisen * Paintings still on the road

2011-09-13T09:21:00.000-07:00

Noch sind sie unterwegs, die Bilder, die in der Pariser Galerie Roi Dore gezeigt wurden. Hier eines von sechs aus der Serie "West-östlicher Diwan". Der Titel ist eine Anspielung auf Goethes gleichnamige Gedichtsammlung und bezieht sich gleichzeitig auf die gebräuchliche Bedeutung von Diwan als Sofa. Man kann es sich also gemütlich machen.

PAINTINGS ON THE ROAD
They are still on the road, the paintings the Paris gallery Roi Dore showed in July. Here is one of six out of the series "East-western Divan". The title is a reference to the collection of poems by Goethe und relates itself at the same time to the common meaning of the word as sofa. So you can make yourself comfortable.

Das Spirituelle in der Kunst

2011-09-13T07:50:00.000-07:00

Im Herbst vergangenen Jahres habe ich zu einer Ausstellungseröffnung dem Laudator ein paar Eckdaten zu meinen Bildern gegeben. Kurzer Ausschnitt: "In meinen Bildern lege ich es darauf an, den Augenschein so zu unterlaufen, dass etwas von dem durchscheint, was dahinter sein könnte. Dieser Prozess, das Numinose ins Bild zu nehmen ist so etwas wie die Quadratur des Kreises..." Nun konnte der Laudator mit dem Wort "Numinose" nichts anfangen und führte es ad absurdum indem er alle möglichen Erläuterungen (aus dem Internet gefischt) aufzählte. Der Lacher war auf seiner Seite.

Dies sei erwähnt, weil Wieland Schmied (siehe letzter Post) das Sprituelle in der Kunst vermisst seitdem Joseph Beuys gestorben ist. Ich könnte ihn da auf Anselm Kiefer und meine eigenen Arbeiten verweisen, aber das ist nicht der springende Punkt, denn er hat recht. Nicht umsonst wird in einem Leitfaden zur Bewerbung bei Kunstpreisen ausdrücklich darauf hingewiesen, dass man auf keinen Fall irgend etwas zu Spiritualität, Transzendenz und ähnlichen Themen schreiben soll. Das würde eine Jury nur abschrecken.

Wen wunderts - siehe oben.

Was in der Kunst fehlt

2011-08-18T07:12:00.000-07:00

Wieland Schmied schreibt in der Kunstzeitung 180: "Einiges scheint mir heutzutage (in der Kunst) überperfektioniert, zu vieles kommt daher oder gibt sich diesen Anschein. Etliche Künstler sind mir heutzutage zu clever... Zu vieles, was sie machen, scheint mir mit dem Blick auf den Kunstmarkt konzipiert und kurzfristig angelegt. Ich sehe zu viel Betriebsamkeit und zu wenig Getriebenheit, zu viel Willen zur augenblicklichen Wirkung ... ".

Vielleicht ist es gerade das, was mir an dem derzeitigen Fotoboom missfällt: Fotografie scheint viele zum "Lackieren" zu verführen, zum schnellen Schuss unter Umgehung gedanklicher Vorbereitung oder Verarbeitung. Besonders kritisch finde ich in diesem Zusammenhang die Zunahme in Szene gesetzter, modisch und erotisch zurecht gemachter kleiner Mädchen. Und gerade bei solchen Bildern nützt meines Erachtens eine (pseudo?)kritische Untermauerung wenig. Zu moralisch? Mag sein. Aber lieber moralisch als unkritisch.

Berlin ist jedesmal anders

2011-08-10T04:48:00.000-07:00

Berlin ist jedesmal anders. Mal finde ich alles wunderbar und bin begeistert. Mal überfordert mich die Stadt schlichtweg. Diesmal war eher letzteres der Fall. Erschwert wurde der Aufenthalt unter anderem dadurch, dass alle interessanten Ausstellungen gerade beendet waren und die nächsten erst in einiger Zeit eröffnet werden.

Zu sehen waren vor allem Fotoschauen. Kurz vor Schluss habe ich es noch geschafft, mir die im Hamburger Bahnhof anzuschauen. Groß angekündigt ein Fotograf, von dem ich noch nie gehört habe. Das was gezeigt wurde, fand ich dann sehr enttäuschend: Polaroids ohne Ende, der Künstler in allen möglichen Situationen, auch auf der Toilette. Vielleicht kann mir mal jemand erklären, was Kuratoren daran gut finden.

Zum Glück sind dauerhaft auch Arbeiten von Cy Twombly und Anselm Kiefer zu sehen. Die haben mich wie immer sehr erfreut. Genial das Bild von Cy Twombly "I am Thyrsis of Etna". (Ich würde ja gerne den link zu einer Abbildung einfügen, aber es klappt leider nicht)

Und "Lilith am toten Meer" berührt mich jedesmal, wenn ich es sehe. Lilith gilt ja als die "böse" Urmutter. Kiefer zeigt auf einer riesigen Leinwand vor allem viele kleine Totenhemden. Das weist aber eher daraufhin, dass er in ihr eine verzweifelte Urmutter sieht. Wie gesagt, sehr anrührend.

April in Paris - wettermäßig

2011-07-25T08:34:00.000-07:00

Es ist schon etwas Besonderes für mich, wenn sechs meiner Bilder in einer Galerie in Paris ausgestellt werden. Insofern hatte ich vorher die eine oder andere Phantasie, wie das in Paris so sein würde: Sommer, Hitze, Schlendern und abends die Vernissage in der Galerie Roi Doré, 6 rue Sainte Anastase
( http://www.roidore.com/) besuchen. Der Hinweis auf die Ausstellung "Spotkania - Rencontres - Begegnungen auf der Ost-West-Achse" findet sich auf dem Blog der Galerie.

Und ungefähr so war es auch - außer dem Wetter: Sommer, Schauer, Sonne, April im Juli eben. Die Vernissage war bunt und interessant. Sehr angenehme Leute kennengelernt und viel von meinem verschütteten Französisch wieder ausgegraben. Eine kurze aber tolle Erfahrung!

Wozu schreibt der Mensch Blogs?

2011-06-06T07:09:00.000-07:00

Tja, das ist wirklich eine Frage, die ich mir immer mal wieder stelle. Insbesondere dann, wenn mir grad gar nix einfällt. Wozu tue ich mir das an? Doch dann gibt es einen kleinen Impuls, eine Information, ein interessanter Satz und die Gedanken rattern los. Fehlt nur noch die Initiative, den Computer anzuwerfen und zu formulieren.

Nun, heute besteht der Impuls aus der Frage im Titel. Warum schreibe ich einen Blog, noch dazu über ein so wenig populäres Thema wie Kunst und Künstler. Darüber habe ich nachgedacht. Fazit dieser Gedanken: Einen Blog schreiben ist wie ein Gespräch mit mir selbst. Ich greife etwas auf und setze mich gezielter damit auseinander, als das im Alltag sonst der Fall wäre.

Anfangs war ich ehrlich gesagt ganz froh, dass fast niemand mitgelesen hat. Das ließ mir Zeit, mich damit überhaupt anzufreunden. Inzwischen freue ich mich, wenn Rückmeldungen kommen - und sei es nur ein kleiner Klick auf "Gefällt mir". Aber auch das entwickelt sich in den letzten Wochen so langsam. Deshalb: Ich bleibe dran.

Abgekupfert

2011-05-27T11:00:00.000-07:00

Was habe ich im letzten Blog geschrieben? Michel Houellebecq schreibt teilweise etwas oberlehrerhaft und hölzern. Und was lesen wir in den letzten Tagen? Er musste sich entschuldigen, weil er ganze Absätze von Wikipedia abgeschrieben hat. Da braucht man nicht viel Phantasie, um sich vorzustellen, welche Stellen das waren. Wenn er es schon auf sich nimmt, ein ganzes Buch zu schreiben, könnte er doch auch einen Wikipedia-Aufsatz umschreiben - oder? Das wäre dann im Vergleich doch eine relativ kleine Mühe.

"Jeff Koons und Damien Hirst teilen den Kunstmarkt auf"

2011-05-05T08:16:00.000-07:00

Nein, es handelt sich nicht um eine Erkenntnis von mir. Und nein, es ist kein Titel eines real existierenden Bildes. "Jeff Koons und Damien Hirst teilen den Kunstmarkt unter sich auf" - so heißt ein Bild, das ein fiktiver Künstler zu malen versucht. Und daran scheitert. Nachzulesen im neuen Roman von Michel Houellebecq, Karte und Gebiet. Was mir an dem Buch wirklich gut gefällt, ist die Beschreibung der Arbeit des Romanhelden. Sein Scheitern, sein Gelingen, seine Überlegungen zu seinen Werken. Und die Beschreibung der brutalen Mechanismen des Kunstmarktes. Zumindest im oberen Segment.

Was mir weniger gut gefällt ist die etwas hölzern schulmeisterliche Sprache. Ich weiß nicht, ob der Autor so schreibt oder ob die Übersetzung dafür verantwortlich ist. Aber ich musste mich in diesen etwas sperrigen Sprachstil erst mal einlesen. Abgesehen davon - eine empfehlenswerte Lektüre.

Warum Picasso wie die Kinder malen wollte

2011-04-26T11:33:00.000-07:00

"Als Kind konnte ich malen wie Raffael. Ich habe ein Leben gebraucht, um zu malen wie die Kinder" Das soll Picasso beim Besuch einer Ausstellung mit Kinderzeichnungen gesagt haben. Was er wohl damit meinte? Eigentlich kann man da nur spekulieren und am häufigsten wird vermutet, dass er die unbe-schwerte Energie, die sich in Kinderbildern ausdrückt, wieder erlangen wollte.

Neulich begegnete mir eine andere Interpretation: Nach Erfindung der Fotografie drohte die Malerei "arbeitslos" zu werden und musste sich wiederum selbst neu erfinden. Inspiration holten Künstler sich bei der Kunst sogenannter primitiver Kulturen, in Bildern von Behinderten und eben auch in Kinderzeichnungen. Diese drei Quellen sollen einen wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung insbesondere der klassischen Moderne gehabt haben. Interessantes Thema, das ich mit Sicherheit weiter verfolgen werde.

Das Saatchi-Fiasko

2011-04-12T10:41:00.000-07:00

Diesen reißerischen Titel habe ich mir nicht ausgedacht. Saatchi selbst hat seine neueste Information so überschrieben. Offenbar haben sich eine ganze Reihe von Künstlern darüber geärgert, dass bei dem Auswahlverfahren in der Saatchi-online-Galerie vorwiegend soziale Kompetenzen gefragt waren: Wer die meisten Leute aktivieren kann, hat die meisten Chancen. Von künstlerischer Kompetenz keine Rede. (siehe auch Blog vom 7.1.2011 "Knapp vorbei ist auch daneben")

Nun, auch Saatchi lernt. Jetzt wurde das Verfahren modifiziert und sieht so aus: Man bewirbt sich, aktiviert Leute und kommt bei ausreichender Zahl auf einen der ersten 300 Plätze. Dann - und das ist neu - tritt eine Jury in Aktion und wählt die 30 besten aus. Danach geht es wieder per Wahl bis auf Platz eins und zwei - wenn man entsprechend viele Menschen dazu kriegt, für einen zu stimmen.

Dennoch fehlt mir die Motivation, mich in diese Mühle zu begeben.

Übrigens geht es von jetzt an wieder regelmäßig weiter mit den Blogs. Kopf und Kräfte sind wieder frei für neue Überlegungen.

Der Kampf zwischen Idee und Form

2011-02-10T07:32:00.000-08:00

Ach, wer das könnte. Die Ideen für ein Bild im Traum schöpfen, sodass ich sie nur noch auf die Leinwand bringen müsste. Manchmal geht das, "ich mache mir dann schnell eine Skizze, um mich im Atelier wieder daran zu erinnern...manchmal klappt es, manchmal nicht; die Dinge, die man sich vorstellt, lassen sich nicht immer realisieren. Man muß erst in einen Dialog mit den Materialien treten, denn die Materialien sprechen...Daraus entsteht der Dialog zwischen dem Künstler und dem Material. Häufig muss man eine Idee fallen lassen, weil das Material der Idee widerspricht. Dann beginnt eine Art Kampf zwischen der Idee... und der materiellen Form... Das heißt die Bilder protestieren, wenn die Idee, die ich hier ausdrücken wollte zu gering, zu elementar oder zu oberflächlich ist. ... Meine Arbeitsweise wird folglich zum unvermeidlichen Dialog zwischen der ursprünglichen Idee ... und der Materie der Leinwand."

Die Pünktchen im Text weisen schon darauf hin: ich zitiere, denn besser könnte ich es auch nicht formulieren als Antoni Tapiès (siehe auch Post vom 18.10.2010 "Sehhilfe für Stroh und Holz").

Wann ist ein Bild ein Bild?

2011-01-31T08:39:00.000-08:00

Die Antwort auf obige Frage gehört zu den schwierigsten überhaupt. Im Grunde ist ein Bild nie "fertig". Man hört einfach an einem interessanten Punkt auf. Nur - was ist ein interessanter Punkt?

Manchmal höre ich zu früh auf, weil ich eher auf ein interessantes Gefühl "gehört" habe. Das ist dann weiter nicht tragisch, denn nach einiger Zeit spüre ich ein Unbehagen, wenn ich das Bild anschaue. Und dann wird das Bild eben später fertig gestellt. Deshalb habe ich mir angewöhnt, Bilder ein paar Wochen in die Ecke zu stellen, bevor ich entscheide, ob es ein Bild ist oder nicht.

Manchmal höre ich aber auch zu spät auf. Das ist schon weniger gut. Denn meist ist das Bild dann so verdorben, dass ich es nur noch zerschneiden kann.

Manchmal erwische ich gleich den interessanten Punkt. Und das ist sehr befriedigend.

"Meine Frau malt auch"

2011-01-27T11:49:00.000-08:00

Vor ein paar Tagen: Jemand fragt mich, was ich beruflich so mache. Antwort: Ich bin Malerin. "So richtig professionell?" Ja. Umgehend beglückt mich mein Gegenüber mit der Bemerkung "Meine Frau malt auch." Die Gegenfrage kann ich mir dann schon sparen.

Wohlgemerkt, ich finde es prima, wenn Leute Freude am Malen oder anderen künstlerischen Gestaltungen haben und das dann auch ausgiebig tun. Dennoch ist das nicht ganz dasselbe - um es vorsichtig auszudrücken - und führt auch nicht gleich zu Kunst. In dem schlauen Buch von Constanze Kirchner (Kinder und Kunst der Gegenwart, Frankfurt 1999) wird der Versuch unternommen, einmal zu definieren, wie sich die verschiedenen Ebenen der künstlerischen Betätigung unterscheiden:

Da gibt es die Laien-Ebene: künstlerische Tätigkeit , d.h., Arbeit mit künstlerischen Werkzeugen und Techniken und die persönliche Wahrnehmungsbildung.

Dann gibt es die Amateur-Ebene: künstlerische Fähigkeit , die sich auszeichnet durch individuellen künstlerischen Ausdruck, die Fähigkeit zur optischen Darstellung, Assoziationsfähigkeit, Selbstreflexion und fachliches Wissen.

Und erst danach die Profi-Ebene: künstlerische Kompetenz, gekennzeichnet durch Kontextualisierung (in einen größeren Bedeutungszusammenhang stellen), Bildanalyse und Bildfindung, Intervention (z.B. Störung als Methode der Wahrnehmungsbildung), Konstruktion von Wirklichkeit, Sinn- und Bedeutungszuschreibung (Suggestofiktion), Fachwissen und Vermittlung, Wertebildung.

Uff. Soviel zum Thema für heute.

Caspar bringt es auf den Punkt

2011-01-17T07:56:00.000-08:00

Beim Schmökern begegnen mir immer wieder interessante Aussagen. Diesmal habe ich einen Satz von Caspar David Friedrich gefunden, der genau das formuliert, was ich hier schon mehrfach aufgegriffen habe: "Wer malt soll nicht bloß malen, was er vor sich sieht, sondern auch, was er in sich sieht. Sieht er also nichts in sich, so unterlasse er auch zu malen, was er vor sich sieht."

Dem habe ich nichts hinzuzufügen.

Knapp vorbei ist auch daneben

2011-01-07T05:29:00.000-08:00

In den letzten Wochen habe ich mich an einem Showdown der Galerie saatchi-online beteiligt. Interessante Erfahrung. Immerhin wurde mein Bild zunächst ohne mein Wissen aus 4500 unter die ersten 400 gewählt. Dann erst wurde mir bewusst, dass ich selbst aktiv werden muss. Also habe ich all meine Kontakte über die Feiertage angeschrieben. Ein Teil war in Urlaub. Der andere Teil hat sich wirklich engagiert und bewirkt, dass mein Bild immerhin auf Rang 131 gelandet ist. Aber nur mit 128 wäre ich in die nächste Runde gekommen. Egal. Ich bin mit diesem Ergebnis zufrieden.

Obwohl: Das Ganze ist schon ein bißchen merkwürdig. Denn hier entscheidet nicht die künstlerische Kompetenz, sondern die soziale. Die Künstler, die die meisten Freunde aktivieren können, haben die besten Chancen. Meines Erachtens auch ein Hinweis darauf, wie sehr sich die gesamte Kunstszene verändert: Klassische Programmgalerien geben auf oder stellen nur noch gegen Bezahlung aus. Museen und Kunstvereine setzen fast ausschließlich auf eingeführte "Marken", sprich bekannte Namen. Sogenannte Kunstmanager organisieren Kunstmessen - selbstverständlich muss auch hier der Künstler blechen. Selbst die kleinsten Vereine, die sich mit Kunst schmücken möchten, erwarten einen Obulus.

Fazit: Der Kunstbetrieb ist schon ein äußerst merkwürdiges Feld.

Die Dummheit in der Malerei

2010-12-28T02:20:00.000-08:00

Neulich habe ich mit anderen Künstlerinnen im Kurpfälzischen Museum in Heidelberg ausgestellt. Dabei beobachtete ich vielfältigen Beleg für die These in den vorigen Posts: Die Leute schauen vorzugsweise das an, was sie schon kennen, bzw. erkennen. Alles andere könnte ja beunruhigen, verwirren oder gar herausfordern.

Dazu fiel mir das Büchlein von Hans Platschek ein (Über die Dummheit in der Malerei, Frankfurt, 1984, gibt es nur noch gebraucht). In dem gleichnamigen Aufsatz geht er auf die Doppeldeutigkeit, bzw. Widersprüchlichkeiten ein, die gute Malerei haben sollte und zitiert Pascal: "Wie eitel ist die Malerei, wo man Ähnlichkeit mit Dingen bewundert, die man im Original keineswegs bewundert." Der Satz weist darauf hin, dass ein gutes Bild eben mehr enthalten muss, als die Abbildung. Hans Platschek meint dazu (genaueres bitte selbst nachlesen, da es den Rahmen hier sprengen würde), dass gerade Doppeldeutiges und Widersprüchliches dazu angetan sei "die Dummheit aus der Malerei zu vertreiben, aus den Bildern und besonders aus den Köpfen gehorsamer Beschauer."

Beim Betrachten von Kunst gilt: Selber denken macht schlau.
Und natürlich heißt das nicht, dass alle Bilder auf denen man was erkennen kann dumm wären. Auch da kommt es auf das WIE an.

Nicht immer nur das "Schon-Gesagte"

2010-12-09T06:12:00.000-08:00

Einen vertieften Kommentar zu meinem letzten Eintrag habe ich im Boesner-Katalog (!) gefunden. Jürgen Habedank fragt sich dort, "wieso ...so viele Menschen ständig das "Schon-Gesagte" erkennen" (wollen). Denn Malerei sei doch heute notwendigerweise (er meint vermutlich seit Erfindung der Fotografie) Projektionsfläche für das "Noch-nicht-Gesagte", für das Unformulierte.

Wo er recht hat, hat er recht. Sonst wäre es ja gar nicht möglich vom eigenen Bild überrascht zu werden. Mir geht es manchmal so, dass ich einem neuen Bild gegenüber äußerst skeptisch bin, es als befremdlich empfinde und gar keinen richtigen Zugang dazu finde. Erst nach einiger Zeit öffnet sich dann ein Fenster und ich verstehe, was ich da gemalt habe. So ein Erlebnis gehört zu den Höhepunkten im Atelier.

Muss man Kunst "verstehen"?

2010-12-03T11:46:00.000-08:00

Vor kurzem hatte ich eine Gruppe zu Besuch im Atelier, deren Mitglieder sich bisher nicht weiter mit Kunst beschäftigt haben. Sichtlich irritiert schauten sie sich um, bemüht etwas möglichst Geistreiches zu sagen. Nur - wollte ich etwas Geistreiches hören? Eher nicht. Nach einer Weile wurden die Besucher entspannter und plötzlich spürte ich Interesse, bemerkte Versuche, meine Bilder zu deuten. Einige erkannten Zeichen wieder, die sonst in anderen Zusammenhängen stehen. Einige waren neugierig und haben danach gefragt, was ich mit den Bildern verbinde. Andere haben meine Bilder mit einander und mit anderen ihnen bekannten verglichen. Und ein paar habe ihre eigenen Gedanken dazu geäußert.

Dieser Nachmittag hat mir gefallen. Klugscheißer, die glauben, Kunst müsse man "verstehen" - was immer das sein mag - sind dagegen eher unangenehm. Und noch unangenehmer diejenigen, die meinen ein gutes Bild sei eines, auf dem man alles erkennen kann. Dann sollen sie sich doch Fotos anschauen.

"Unsere Sinne entgleiten uns"

2010-11-29T08:08:00.000-08:00

Zu der Beuys-Ausstellung (vorheriger post) und meinen Schwierigkeiten damit, fällt mir ein Satz von Antoni Tàpies ein: "Unsere Sinne entgleiten uns vor dem Übermaß an Belastungen aller Art, an Buntheit, an Verwirrung und Lärm. Wir müssen das Ursprüngliche zurückerobern, den Umgang damit wieder lernen: Die Fähigkeit zur Kontemplation, die Konzentration..." (A. Tàpies, Nichts ist gering, Bremen, 1977). Buntheit kann man der Ausstellung sicher nicht vorwerfen, aber das Übermaß an visuellen Reizen, an Denkanstößen nötigt zwar Respekt ab, behindert aber auch Kontemplation und Konzentration. Naja, vielleicht bin ich ja eine der wenigen, die sich lieber eine Arbeit intensiv anschauen, als 150 im Überblick abzuhandeln. Die Ausstellungsmacher allerdings lieben solche "Blockbuster", weil sie viele Besucher anlocken.

Parallelprozesse in schlechter Luft

2010-11-22T07:27:00.000-08:00

Schlitten, die gerade einen Bus zu verlassen scheinen, Messingspiegel, die nichts spiegeln, Spaten mit zwei Griffen - Kenner wissen schon, worauf ich hinweisen will. Habe gerade die Ausstellung "Parallelprozesse" besucht, mit der Düsseldorf endlich einen der berühmtesten Künstler der Stadt ehrt: Joseph Beuys. Die Ausstellung verschafft einen sehr guten Überblick über das breite Werk von Beuys, seinen hintergründigen Humor und seine radikale Herangehensweise. Dass am Ende die Müdigkeit überwog, lag nicht nur daran, dass Beuys für mich nur in homöopathischen Dosen verdaut werden kann. Die Ausstellung war dafür einfach zu gigantisch. Es lag auch an der schlechten Luft im K20. Das Gebäude wurde gerade erst erweitert und modernisiert. Da hätte man nicht unbedingt an der Klimaanlage sparen müssen.

Ein Mann macht Kunst und sich groß

2010-11-17T06:26:00.000-08:00

In der Frankfurter Schirn ist zur Zeit Kunst von Behinderten zu sehen. Titel der Ausstellung: OutsiderArt. Um durch die Ausstellung zu führen wurde der zur Zeit sehr angesagte Künstler Jonathan Meese engagiert. Das Publikum strömt, 3Sat filmt den Auftritt.

Vor den Kameras fordert der Mann die "Diktatur der Kunst", "Nieder mit der Demokratie", wettert gegen Joseph Beuys und bricht vor den Werken eines der Künstler in folgende Worte aus: "Super, Spitze, Geil, ...". Seine ganze Rede ist eine Wiederholung sehr ähnlicher Behauptungen. Das Publikum (darunter Max Hollein, Leiter mehrerer Frankfurter Kunsteinrichtungen) hängt mit leuchtenden Augen an seinen Lippen. Wobei die meisten der Anwesenden die vergleichbare Rede eines Realschülers sicher mit mangelhaft beurteilen würden.

Am Ende schiebt Jonathan Meese das Publikum zur Seite und spricht: "Ich muss heim zu Mutti, die hat zwei Rippen gebrochen." Das war der Fernsehauftritt des derzeit gefeierten "Enfant terrible" der deutschen Kunstszene. Und ich frage mich, an wessen Verstand ich nun zweifeln muss.

Eine Frau macht große Kunst und sich klein

2010-11-16T04:29:00.000-08:00

Natürlich ist dieser Titel polemisch. Aber was soll man von folgendem halten? Rebecca Horn erhält den Staatspreis des Landes Hessen, der immerhin mit 45000 Euro dotiert ist. Von Ministerpräsident Volker Bouffier wird sie hoch gelobt, ihr Werk gepriesen. Und dann das: In der Einleitung zu ihrer Dankesrede (die dann aus Gedichten bestand) sagt sie: Soviel Lob macht mich ganz klein.

Wie bitte? Diesen Satz kann man auf vielfältige Weise verstehen, aber ganz gewiss nicht als angemessene Reaktion auf einen Preis, der immerhin ein Werk honoriert, das weltweit geschätzt wird.

Schade.

Sturm im Gehirn

2010-11-13T03:42:00.000-08:00

Schöpferische Krisen sind das Eine, zu viele Ideen das Andere. Und fast zwangsläufig folgt bei mir das Andere auf das Eine. Wenn "Sturm im Gehirn" ansteht, dann ist gutes Management gefragt. Das heißt für mich: Ideen aufschreiben, zeichnen, sammeln. Und wenn ich mir noch so sicher bin "das merke ich mir schon": Nix da. Festhalten und es weiter stürmen lassen. Geistesblitze sind nämlich genau das, was der Name sagt - Blitze. So schnell vorbei wie gekommen.

Diesen einführenden Worten lässt sich schon entnehmen, was im Moment los ist. Es regnet Impulse auf mich nieder. Sie wirbeln hoch, wirbeln fort und ich bin damit beschäftigt, so weit wie möglich einzusammeln. Ob alles Bestand hat, wird sich im Laufe der Zeit herausstellen. Wenn mal wieder Pause ist.

Das Schlimmste was dann passieren kann ist, dass alles was mir so interessant, inspirierend und intensiv erschien bei näherer Betrachtung nichts taugt. Tja, dann Pech gehabt. Und weiter machen.

Schöpferische Krisen und andere Pausen

2010-11-03T06:21:00.000-07:00

Wann ist eine Pause eine schöpferische und wann ein Inspirationskiller? Andere Künstler schwören darauf, Krisen zu begegnen indem sie Pause machen: Reisen, ganz was anderes tun, ein gutes Buch lesen usw. Meine Erfahrung damit ist, dass zu viel Abstand von der Arbeit diese eher behindert als unterstützt. Irgendwie muss ich innerlich mit meiner Arbeit und dem Atelier verbunden bleiben. Sonst wird der Anlauf zur künstlerischen Arbeit immer länger.

Picasso meinte zu diesem Thema "Inspiration exists, but it has to find you working".

Über Vergessen und Inspiration

2010-11-02T08:34:00.000-07:00

"Kunst heißt, nicht wissen, dass die Welt schon ist, und eine machen..." Diesen Satz hat Rainer Maria Rilke geschrieben. Leider ist das Zitat ohne genauere Quellenangabe veröffentlicht worden. Deshalb kann ich nicht sagen, aus welchem seiner Texte es stammt.

Ich finde es für Kunstschaffende sehr zutreffend: Vor der Leinwand stehen und so tun als wüsste man nicht, dass es schon unendlich viele gute und hervorragende Kunst gibt und dennoch ein neues Kunstwerk schaffen. Denn würde man in diesem Moment darüber nachdenken, wäre es vorbei mit dem neuen Bild.

Klar, würde uns dann auch viel Schrott erspart bleiben, aber es könnte doch bei jedem neuen Versuch, ein Meisterwerk entstehen. Und wer wollte ein solches missen?

Preis vom Kaiserhaus

2010-10-17T02:37:00.000-07:00

Na, wer sagts denn. Vor einiger Zeit (am 27. Juli "Frauen machen Kunst und reden nicht darüber") habe ich kurz erwähnt, dass Rebecca Horn in ihrem Heimatland Deutschland wenig, im Ausland dagegen sehr bekannt ist. Vor ein paar Tagen wurde das noch einmal belegt: Die aus Bad König im Odenwald stammende Künstlerin hat den Praemium Imperiale bekommen, ein Preis, der vom japanischen Kaiserhaus verliehen wird. Dieser ist mit einem beachtlichen Preisgeld verbunden. Dazu muss man wissen, dass Rebecca Horn schon häufiger in Tokio ausgestellt hat, in Japan also ziemlich bekannt ist. Neben ihr wurde übrigens auch Sophia Loren für ihr Lebenswerk ausgezeichnet.

Kunst kommt von Können - oder wie?

2010-09-28T10:28:00.000-07:00

Wenn jemand mit einem modernen Kunstwerk (z.B. mit den Arbeiten von Cy Twombly) überhaupt nichts anfangen kann, rettet er oder sie sich in Sätze wie "Ich versteh ja nix von Kunst" oder "Das kann ich auch" oder aber "Kunst kommt doch eigentlich von Können". Letzteres deutet natürlich an, dass das was man da sieht eigentlich keine Kunst ist, weil er (oder sie) es ja auch könnte.

Tja, schwierig, denn hat die Person so ein Bild gemacht? Nein, aber Cy Twombly hat es gemacht und sich mit Sicherheit auch was dabei gedacht (siehe Post vom 18. August, "Sehhilfe für Stroh und Holz" zu Antoni Tàpies). Im Nachhinein kann also jeder behaupten "das könnte ich auch". Vom rein Technischen mag das für viele Werke auch zutreffen. Dennoch fehlt etwas und das wird deutlich wenn man sich eine weitere Kunsterklärungsredewendung anschaut: "Kunst kommt von Kunde" (im Sinne von Verkünden) heißt es in der Anthroposophie. Das heißt zur Kunst gehört nicht nur das technische Können, sondern auch das was das Werk mitteilen will. Und deshalb muss man sich als Betrachter darauf einlassen.

Dazu eine Anekdote: Ein berühmter Kunstkritiker schrieb "Soeben ist bei Durant-Ruch (eine Galerie in Paris, M.A.) eine Ausstellung eröffnet worden, die angeblich Bilder enthalten soll...Fünf oder sechs Wahnsinnige haben sich zusammen getan....Diese sogenannten Künstler ... nehmen ein Stück Leinwand, Farbe und Pinsel, werfen auf gut Glück einige Farbkleckse hin und setzen ihren Namen unter das Ganze. Es ist eine ähnliche Verblendung, als wenn Insassen einer Irrenanstalt Kieselsteine aufheben und sich einbilden, sie hätten Diamanten gefunden."

Diese "Wahnsinnigen" hießen übrigens Renoir, Monet, Cezanne. Und geschrieben wurde der Artikel 1876 von Albert Wolff in Le Figaro (zitiert aus E.H. Gombrich, Geschichte der Kunst, Berlin, 1996, S. 519)

Und was lernen wir daraus? UNSERE SEHGEWOHNHEITEN HINKEN 100 JAHRE HINTERHER

Einsame Langstreckenläuferin

2010-09-05T02:46:00.001-07:00

Louise Bourgeois sagte über sich: "Ich bin eine einsame Läuferin. Aber eine Langstreckenläuferin." Wenn man ihren Lebenslauf liest, kann man das sofort nachvollziehen. Obwohl sie von klein auf künstlerisch tätig war, eine Ausbildung an der Ecole des Beaux Arts in Paris absolviert hatte, arbeitete sie mindestens 15 Jahre lang völlig im Verborgenen. Diese Zeit empfand sie als Glück, weil sie so viel Raum hatte um zu experimentieren (siehe auch Blog "Picasso, Cezanne - und ich" über sogenannte Spätzünder).

Als sie etwa 35 Jahre alt war, konnte sie in New York in diversen Galerien ihre Arbeiten zeigen. Aber erst 1989, mit 78 Jahren schaffte sie auch den internationalen Durchbruch. Zwanzig Jahre blieben ihr noch, um auf internationalem Parkett Erfolge zu feiern. Im Mai 2010 starb Louise Bourgeois.

An ihrem Werk fasziniert mich die Vielfalt der Materialien und ihr Umgang damit: Sie verarbeitete Stoffe, alte Kleider, Marmor, Draht, Bronze, Holz, Gips, Latex. Daraus formte sie Skulpturen mit häufig sexuellen Konnotationen. Sie selbst meinte dazu: "Ach, sehen Sie darin etwas Erotisches? Dann legen Sie das selbst hinein." Später jedoch gab sie zu, dass ihre Arbeit sich aus den schwierigen Erfahrungen als kleines Mädchen mit ihrem Vater speist.

Zur Situation von Frauen im Kunstbetrieb meinte sie: "Die Kunstszene lag in den Händen von Frauen und die wollten männliche Künstler, die allein kamen und sie unterhielten. Frauen mussten wie Sklaven arbeiten. Männer schafften es häufig auf Grund ihres Charmes." Heute hat sich die Szene etwas gewandelt, aber dafür gibt es viele Homosexuelle, die im Kunstbereich arbeiten. Und die ziehen naturgemäß eben auch Männer vor.

Picasso, Cezanne und ich

2010-08-25T04:19:00.000-07:00

Es kommt ja selten vor, dass ich einen Artikel lese und mich sofort persönlich angesprochen fühle. So geschah es aber bei einem Aufsatz in der Süddeutschen Zeitung vom 9. August 2010. Überschrift: Spätzünder. Fazit der Seite: Wunderkinder arbeiten konzeptionell (Beispiel Picasso), Spätzünder tun das Gegenteil, sie experimentieren (Beispiel Cezanne - und ich).

Dass Picasso sehr früh sehr entwickelt (und erfolgreich) war ist allgemein bekannt. Nicht ganz so bekannt ist der Werdegang von Paul Cezanne, der bis in seine fünfziger Jahre hinein weitgehend unbeachtet seine Entwicklung vom Romantizismus zum Impressionismus vollzog. Und gänzlich unbekannt ist meine künstlerische Entwicklung, auf die die Spätzündertheorie hundertprozentig zutrifft Nach jahrzehntelangen Experimenten in mehr oder weniger versteckten Ecken war es plötzlich genug und ich begann auszustellen. Die Arbeiten wurden größer, die Ausstellungsorte interessanter: Von kleinen Landgalerien zur Präsentation meiner Bilder in der Kulturhauptstadt Europa 2009, in Vilnius, Litauen.

Ich bin bei weitem nicht die einzige Frau, die - unter anderem weil die Kinder viel Kraft kosten - diesen Weg geht. Die zur Zeit berühmteste ist wohl die vor kurzem mit 98 verstorbene Louise Bourgeois, deren Karriere erst mit über 70 Jahren so richtig losging. Dazu im nächsten Post mehr.

"Sehhilfe" für Stroh und Holz

2010-08-18T00:51:00.000-07:00

Ein Künstler, der sehr klug über seine eigenen Bilder schreibt ist der Katalane Antoni Tàpies. Eines seiner Bilder zeigt auf weißer Leinwand ein Stück Holz und strohartige Pflanzenfasern, die normalerweise als Matratzenfüllung verwendet werden. Einer seiner Anhänger meinte dazu, dass er unmöglich irgend etwas darin sehen könne, außer eben "Stroh und Holz" (Titel der Arbeit).

Tàpies schreibt dazu: "Ich stelle mir vor, die größte Überraschung für den unvorbereiteten Betrachter sei gerade die Tatsache, einem solchen Strohhaufen in einem Ausstellungssaal zu begegnen....Wir alle haben schon einmal Strohreste in einem Stall gesehen. Aber wenn wir sie nun hier, auf dem Schauplatz der `wichtigen´Dinge, antreffen, wecken sie in uns - über archetypische Mechanismen - einen Widerhall uralter, aus dem kollektiven Unbewußten aufsteigender Sonnenmythen, die doch immer im Stroh eines Stalles zur Welt kamen." (aus: A. Tàpies, Nichts ist gering, Katalog der Ausstellung von Handzeichnungen in Bremen, 1977)

Im weiteren meint er dann, dass es doch heute wichtig sein könnte, über das Stroh, über den Mist nachzudenken. Denn es bedeute, über die Anfänge, über das ganz elementar Natürliche, über den Ursprung der Lebenskraft zu meditieren. Es handele sich auch darum, daran zu erinnern, dass es in der Welt noch viele Strohlager gibt, dass der Künstler sich dafür mehr interessiere als für die... Pfühle der Reichen.

Soviel in Kürze zu der "Sehhilfe", die Tàpies damit für unvorbereitete Betrachter anbietet. Deutlich wird auch hier - wie in dem Zitat von Monet im ersten Blog - dass es bei der Wertschätzung moderner Kunst nicht nur auf den Künstler, sondern auch auf den Betrachtenden ankommt. Denn spätestens seit Erfindung der Fotografie hat Kunst als Abbildung der Wirklichkeit im Grunde abgedankt.

Frauen machen Kunst und reden nicht darüber

2010-07-27T11:58:00.000-07:00

Frida Kahlo wird in Berlin im Gropiusbau gezeigt. Die Wartezeit eine Stunde und mehr. Auch wenn ich die Arbeiten von Frida Kahlo nicht besonder schätze (zu viel leidende Selbstdarstellung), stellt sich doch die Frage: Warum gibt es nicht öfter große Ausstellungen mit Arbeiten von Frauen? An einem Mangel an Qualität und Angebot kann es nicht liegen.

Marianne Pitzen, Malerin und Leiterin des Frauenmuseums Bonn, meint: "Auch nach der Frauenbewegung haben wir eine riesige Kunstszene, ohne Kunstwerke von Frauen. Die Museen sind voll, aber Kunstwerke von Künstlerinnen gibt es darin kaum. Das Kunstgedächtnis ist männlich." Zu den wenigen Ausnahmen gehört die Pfalzgalerie in Kaiserslautern. Dort ist eine erstaunlich große Anzahl wunderbarer Arbeiten von zeitgenössischen Künstlerinnen zu sehen, viele unbekannt.

Eine der Ursachen ist sicher, dass Frauen Kunst machen, aber kaum öffentlich darüber reden. In Sammlungen interessanter Zitate zur Kunst sind fast ausschließlich Männer vertreten. Klar, dafür sind auch die verantwortlich, die solche Sammlungen zusammen stellen. Aber eben nicht nur. Beispiel einer großen Künstlerin, die wenig von sich reden macht ist Rebecca Horn. Ab und zu liest man etwas über sie, aber von ihr ist mir zumindest nichts bekannt. Im Ausland ist sie übrigens geehrt und berühmt, in Deutschland wird sie nur in einem begrenzten Kreis wahrgenommen. Eine meiner Lieblingsarbeiten ist dauerhaft im Landesmuseum in Wiesbaden zu sehen: Jupiter im Oktogon. Lohnt sich!

Kunst ein Kinderspielplatz?

2010-07-19T05:35:00.000-07:00

Neulich war ich in Berlin in einer bundesweit besprochenen Ausstellung mit dem schönen Titel Fischgrätenmelkstand. Auf jeden Fall war es eine Gruppenausstellung mit Arbeiten von überwiegend jüngeren Künstlern - so bis 40 Jahre alt.

Mit Neugier und Elan sind die Besucher durch ein mehrstöckiges Gebilde geklettert in dem viele kleine Schauräume untergebracht waren. Vieles witzig, einiges nachdenklich. Und doch glich das Ganze eher einem riesengroßen Spielplatz. Die eine oder andere Arbeit erinnerte denn auch an die Bastelei von Kindern. Zufall? Absicht?

Vielen ging es wie mir: Besucher in der Kunsthallenkuppel ratlos. Da hätte ich mir gewünscht, dass ein paar der vertretenen Künstler etwas über ihre Arbeiten gesagt hätten. Sozusagen als "Sehhilfe".

Nachdenken über Kunst

2010-07-11T07:55:00.000-07:00

Beim Lesen, beim Malen, beim Nachdenken begegnen mir immer wieder Momente, in denen ich mir überlegen muss, wie es weitergehen soll, warum ich mache, was ich mache. In solchen Momenten greife ich manchmal zu Aufsätzen, die Künstler über ihre eigene Arbeit geschrieben haben. Und fühle mich inspiriert, bereichert, angeregt.

Hier eine kleine Kostprobe:

Monet hat einmal gesagt: Mich interessiert nicht das Objekt, sondern das, was zwischen mir und dem Objekt passiert.

Mit diesem Satz im Hinterkopf sollte man insbesondere moderne Kunst betrachten: Mich interessiert vor allem das, was zwischen mir und dem Bild passiert, das, was das Bild in mir auslöst.

Muss man sich mal auf der Zunge zergehen lassen.